音乐基本常识总结【精彩3篇】

音乐基本常识总结 篇一

音乐是人类文明发展的重要组成部分，它是人们情感表达和交流的一种形式。在我们日常生活中，我们都会接触到各种各样的音乐，但是对于音乐的基本常识了解却并不是很多。本篇文章将为大家总结一些音乐的基本常识。

首先，音乐是由声音组成的。声音是由物体振动产生的，当物体振动时，会产生空气分子的振动，从而形成声波。而我们所听到的声音，就是这些声波通过空气传播到我们的耳朵中产生的。音乐则是通过声音的变化和组合来表达情感和传递信息的一种艺术形式。

音乐有律动感。律动感是音乐中的基本元素之一，它是指音乐中的节奏感和脉动感。律动感在音乐中起到了统一和协调的作用，使得音乐更加有序和有韵律感。律动感是由音符的长短、重心和音符之间的间隔等因素决定的。

音乐有音高和音色。音高是指音乐中的高低音调，它是由声音的频率决定的。不同频率的声音会产生不同的音高，从而形成不同的音调。音色是指声音的质地和特点，它是由声音的谐波及其相对强度决定的。不同乐器和声源产生的声音具有不同的音色，这也是音乐中的重要元素之一。

音乐有旋律和和声。旋律是音乐中的主要部分，它是由一系列有机地组合在一起的音符组成的。旋律是音乐中表达情感和传递信息的重要手段，它通过音符的高低、长短和音符之间的连贯性来表达不同的情感和意义。和声是由多个旋律同时进行而形成的，它是音乐中的重要组成部分之一。和声的组合和变化可以产生不同的和声效果，从而丰富音乐的表现力。

音乐有节奏和节拍。节奏是音乐中的基本元素之一，它是音乐中的时间感和脉动感。节奏通过音符的长短和音符之间的间隔来体现，它是音乐中的重要组成部分。节拍则是音乐中的基本单位，它是音乐的基本脉动和节奏的基础。节拍通过一定的规律性和重复性来统一和协调音乐的各个部分，使得音乐更加有序和有韵律感。

综上所述，音乐基本常识包括音乐由声音组成、音乐有律动感、音乐有音高和音色、音乐有旋律和和声、音乐有节奏和节拍等。这些基本常识对于我们更好地理解和欣赏音乐具有重要意义，希望本篇文章对大家有所帮助。

音乐基本常识总结 篇二

音乐是人类创造的一种艺术形式，它通过声音的变化和组合来表达情感和传递信息。随着现代科技的发展，音乐已经成为了人们日常生活中不可或缺的一部分。在这篇文章中，我们将继续总结一些音乐的基本常识。

音乐有风格和类型。音乐的风格是指音乐的表现方式和特点，它是音乐中的重要元素之一。不同的音乐风格具有不同的特点和风格，例如古典音乐、摇滚音乐、流行音乐等。音乐的类型则是指音乐的分类方式和类型，例如器乐音乐、歌曲音乐、交响音乐等。音乐的风格和类型是音乐文化和历史的重要组成部分。

音乐有创作和演奏。音乐的创作是指音乐作品的创造过程，它是音乐的源泉和灵魂。音乐的演奏则是指音乐作品的演奏过程，它是音乐的实际呈现和表达方式。创作和演奏是音乐创作和表演的两个重要环节，它们相辅相成，互相促进，共同构成了音乐的完整过程。

音乐有历史和文化。音乐是人类文明发展的重要组成部分，它随着时间的推移不断发展和演变。音乐的历史和文化是音乐的背景和环境，它们对音乐的发展和演变产生了重要的影响。不同的历史和文化背景下产生的音乐具有不同的特点和风格，这也是音乐的魅力所在。

音乐有欣赏和评价。音乐的欣赏是指对音乐作品的审美和欣赏过程，它是音乐的重要目的之一。音乐的评价则是指对音乐作品的评判和评价，它是音乐的重要评价标准之一。音乐的欣赏和评价是音乐体验和交流的重要方式，它们有助于我们更好地理解和欣赏音乐。

综上所述，音乐的基本常识包括音乐有风格和类型、音乐有创作和演奏、音乐有历史和文化、音乐有欣赏和评价等。这些基本常识对于我们更好地了解和欣赏音乐具有重要意义，希望本篇文章对大家有所帮助。

音乐基本常识总结 篇三

　　1.音(Tone)

　　是一种物理现象。物体振动时产生音波，通过空气传到耳膜，经过大脑的反射被感知为声音。

　　人所能听到的声音在每秒振动数为16-2000次左右，而使用到音乐中的音(不含音)，一般只限于每秒振动27-4100次的范围内。音的高低、强弱、长短、音色取决于物体的振动。

　　2.音色(Tone-color)

　　指音的感觉特性。发音体的振动是由多种谐音组成的，包括基音和泛音，音色是由泛音的多少及泛音之间的相对强度决定的。人们区分音色的能力是天生的，音乐的颜色分为人声音色和器乐音色。人声音色分高、中、低音，并有男女之分;器乐音色中主要分弦乐器和管乐器，各种打击乐器的音色是不同的。

　　3.共鸣(Resonance)

　　共鸣指的是一种振动。当一个发音体振动时，引起了其它物体的振动，并发出了声音，产生了共鸣。

　　4.基音(Fundamentaltone)

　　物体振动时所发出的频率最低的音是基音，其余的为泛音。基音决定音高。

　　5.泛音(Harmonicovertone)

　　除了发音体整体振动产生的最低的音是基音，以基音为标准，其余1/2、1/3、1/4等各部分也是同时振动，是泛音。泛音的组合决定了特定的音色，并能使人明确地感到基音的响度。乐器和自然界里所有的音都有泛音。

　　6.音高(Pitch)

　　音高是用一秒钟的振动的次数来表示的。频率多则音高，频率少则音低。目前国际通用的标准音“a”，是每秒振动440次的声音。

　　7.音名(Pitchname)

　　音名指西洋乐制中代表固定音高的名称。这些名称没有统一，在各个国家是不同的。被广泛采用的是.CDEFGAB。

　　8.唱名(Syllablenames)

　　唱名是指音阶上各音的名称。通常使用1do、2re、3mi、4fa、5sol、6la、7si。大调的主音用1do，小调的主音用6la。

　　9.音域(Compass)

　　人声或乐器所能达到的最低音和最高音之间的范围就叫音域。音域可分为总的音域和个别音域、人声和乐器音域。

　　10.调性(Tonality)

　　调性指调式类别与主音高度。在乐曲中，主音是旋律、和声的核心，其它音与之发生从属关系最后中止在主音上。这样的乐曲就是有调性的乐曲。

　　11.音阶(Scale)

　　指调式中的各音，从以某个音高为起点即从主音开始，按照音高次序将音符由低至高来排列，这样的音列称为音阶。音阶由低到高叫做上行，由高到低叫做下行。我们今天所说的音阶，就是以最普遍的大音阶(大调)与小音阶(小调)为主。

　　12.五声音阶(Pentatonicscale)

　　由五个音构成的音阶。多用于民族音乐的调式。如.do、re、mi、sol、la、(do)。

　　13.大调(Majormode)

　　调式的一种。七声音阶，其相邻二音的间距分全音与半音两种。其音阶除第三、四两音间与第七、八两音间为半音外，其余均为全音。大调的色彩较为明朗。

　　14.小调(Minormode)

　　调式的一种，七声音阶有“自然小调”、“和声小调”、“旋律小调”、“现代小音阶”四形式。小调的色彩一般较大调黯淡，常用来表达悲哀、忧郁的情绪。自然小调(小音阶)的二三两音间与五六两音间为半音。

　　15.纯律(Justintonation)

　　与十二平均律不同。音阶中各音与主音的关系均为纯音程。由于这样形成的半音无法分平均，所以不能随便转调，现已被历史所淘汰。

　　16.主音(Key-note)

　　调式音阶里的第一音。十二平均律(Temperament)音律的一种。把一个八度音均分为十二个半音，半音的音程都是相等的。钢琴、竖琴等乐器均按此律定弦。

　　17.半音、全音(Semitone、Wholetone)

　　将一个八度音分成十二等份，每一份为半音，两个半音相当于全音。半音相当于小二度，全音相当于大二度。

　　18.协和音程与不协和音程(Consonant，Dissonance)

　　根据协和的程度可分为完全协和音程(纯1、4、5、8度)和不完全协和音程(大、小3、6度)。除此之外都是不协和音程。

　　19.音程(Interval)

　　指两音之间的距离。计算音程的单位称“度”，两个音之间包括几个音节就称几度。度数相同的音程又因为其所含半音和全音的数目不同而有纯、大、小、增、减等区别。

　　20.十二音体系(tweleve-tonesystem，tweleve-notesystem)

　　现代派作曲手法之一。由奥地利作曲家勋柏格于1921年创立。作曲家放弃传统的调式、调性与和声体制，将半音音阶中的十二个音任意排成一年音列，然后以倒置、逆行等技法加以处理，除非所有的音都出现过，否则任何一个音不得重复。

　　21.五声音阶(prentatonicscale)

　　八度内有五

音，谓之“五声音阶”。

　　22.七声音阶(diationicscale)

　　八度内有七音，就称为“七音音阶”。

　　23.力度(dynamics)

　　力度指演奏、演唱乐曲时音响的强度。以力度记号表示，如f(强)、p(弱)、<(渐强)、>(渐弱)等。

　　24.不定音高(inderterminatepitch)

　　乐曲中所采用的没有明确音高的声音叫不定音高。实为噪声，原不属于乐章范围。现代派作曲家常用之，如锯木声、折纸张声、打字声、扫地声、敲击声、嘘声、呼啸声等等。

　　25.不对称节奏(asymmetricrhythm)

　　又称“复节奏”(polyrhythm)。在同一乐句或小节中，各声部的节奏不相一致;或在同一小节中，组成各节拍的时值不相一致。广义言之，复调音乐都属于奇异节奏。现代派作曲家所用的奇异节奏，是一种高度复杂化的节奏。

　　26.切分音(synopation)

　　变换小节中强弱拍位置的一种节奏。其形成的格式如下.

　　(1)、弱拍音延续到强拍位置;

　　(2)、休止强拍位置;

　　(3)、弱拍音改为强拍。

　　27.无调性(atonality)

　　指乐曲的构成没有一定的调性基础。

　　28.平行五度(parallelfifths)

　　乐曲的两个声部隔开纯五度作平行进行。十五世纪以来，在对位与和声上都规定应避免平行五度之出现。

　　29.平行减七弦(paralleldiminishedseventh)

　　和弦进行的方式之一。减七和弦由四个音连续小三度叠置而成，其特点是无明确的倾向性，减七和弦连续出现而不加解决，就是”平行减七和弦”。

　　30.节奏(rhythm)

　　构成乐曲的基本因素有乐音的高度、乐章的时值(包括休止)、乐音的强弱三种。表现于时值与强弱方面的，即乐音的有规律的轻重缓急，称为节奏。

　　31.节拍

　　乐曲中周期性出现的节奏序列。

　　32.主调音(tonickeynote)

　　调式的中心音称为”主调音”。

　　33.主调音乐(homophony)

　　复调音乐及单调音乐的对称。多声部音乐的一种。以一个声部作旋律(曲调)进行，其余声部居于和声衬托的地位。

　　34.半音音阶(chromaticscale)

　　相邻二音的间距为”半音”，谓之“半音音阶”。

　　35.全音音阶(whole-tonesacale)

　　相邻二音的间距皆为全音，谓之“全音音阶”。

　　36.华彩段(cadenza)

　　插于乐曲尾处的辉煌的即兴演奏段落。由独奏者即兴展示其演奏技巧。作曲家与演奏家常为他人的作品写定华彩段。

　　37.声部(part，voice)

　　指重唱、合唱、重奏、合奏乐曲中同时进行的各旋律线。如弦乐四重奏有第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴四个声部;混声合唱有女高音、女低音、男高音、男低音四个声部。

　　38.转调(modulation)

　　乐曲在进行中变换调性。转调是重要的作曲手法之一。简单的转调常在近关系之间相转。

　　39.拍子(beat)

　　小节的单位时值。小节的拍子结构以拍子记号(timesignayure)表示。

　　40.和声(harmony)

　　不同高度的乐音同时发声，谓之和声。和声学的研究对象为.和弦的结构、和弦的连续法则、和弦在乐曲上功能属性、和声学是作曲技法的重要组成部分。

　　41.和弦(chord)

　　和声的结构单位。在自然音阶的和声体系中，和弦由音阶上各音连续三度叠置而成。三音叠置，即成三和弦，由C、E、G三音组成;其属七和弦，由G、B、D、F四音组成。

　　42.变和弦(alteredchord，Chromayticchord)

　　和弦的组成音中有不属于同调性的音出现，谓之变和弦。变和弦常作为转调的准备。

　　43.单调音乐(monophony)

　　单旋律的音乐。复调音乐及主调音乐的对称。即不附带任何对位声部、衬托句及伴奏等，只有一条单纯的旋律线。古代音乐及大多数民歌，都是单调音乐

　　44.复调音乐(polyphony)

　　单调音乐及主调音乐的对称。由两个以上各自独立而又根据和声法则同时进行的声部组成的音乐。其性质与”对位音乐”(counterpoint)基本相同。

　　45.复对位(compoundcounterpoint)

　　凡对位音乐的各声部可以高低易位者，统称为复对位。复对位按声部数量可分为二重对位、三重对位、四重对位等。

　　46.音域(compass)

　　人声或乐器发声的音调广度，常以其高低两极音表示之。各种音域，其各局部的音质不相同，这种局部，称为音区(register)，在人声则称为声区。

　　47.音程(intreval)

　　两乐音之间的音高差距。通常以自然音阶两音之间的音级数(包括边缘两极)作为音程的量度。

　　48.音高(pitch)

　　乐音在音阶上的绝对高度。如C音、D音等。在物理上，音高决定于发音体的振动频率，在心理感觉上，音高之决定还稍受音的响度的影响。

　　49.音调(idiom)

　　某一时代、民族、地区、流派、作曲家特有的音乐风格。如言某民族或某的民歌音调。

　　50.音阶(scale)

　　音乐上所用的音，根据一定规律，在八度内按高低次序排列之，即成音阶。世界各民族各地区，皆有其独特的音阶。

　　51.美声唱法(belcanto)

　　声乐表演风格之一。十八世纪流行于意大利。演唱者追求音质的优美、自然与歌唱表演的华丽、辉煌，而忽视词意和感情等的表达。以运用美声唱法着称的作曲家有贝里尼、多尼采蒂、罗西尼等人。他们所作的歌剧常称为”美声歌剧”。

　　52.配器(orchestration)

　　作曲法的组成部分之一。指器乐合奏曲中各种乐器的配合。其内容要点为各类乐器性能、各类乐器的音色对比与配合效果、乐曲原音响统一效果。配器除用于初始写作之外，亦常用于现成乐曲配器，如将钢琴曲、重奏曲等，改编为管弦乐曲。

　　53.调式(mode)

　　据以构成乐曲的基础音列。其中一音为中心音，其余各音与该中心音具有依存关系。调式的中心音称为”主调音”。以主调音的音高表示调式，谓之”调性”。乐曲之构成而无一定的调性基础者，谓之”无调性”;同时以两种调性为基础者，谓之”多重调性”。

　　54.旋律(melody)

　　不同高低与不同时值的音前后相连，即成旋律。旋律的要素一为音高，二为节奏。较原始的音乐公有旋律，甚至仅有节奏。现代音乐也有只求和声与配器等的新奇效果而忽略旋律的。

　　55.音乐的基本表现手段

　　音乐的基本表现手段是.

　　(1).曲调旋律、节奏、拍子、速度;

　　(2).调、和声;

　　(3).力度;

　　56.音乐的分类

　　(一)音乐按声部和声部状况可分为.单声部音乐、.复调音乐、主调音乐。

　　(二)音乐按照性质分可分为.纯音乐、标题音乐、轻音乐、爵士音乐。

　　57.乐音体系

　　在音乐中使用的、有固定音高的音的总和，叫做乐音体系。

　　58.调号

　　变化记号若使用在整首曲子中，使这首曲子中的每逢指定的音都要升或降，那这时候这个变化记号就被称之为调号。

　　59.节拍

　　强拍和弱拍的均匀的交替。节拍有多种不同的组合方式，叫做”拍子”，正常的节奏是按照一定的拍子而进行的。

　　60.旋律

　　又称曲调，它是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是塑造音乐形象最主要的手段，是音乐的灵魂。

　　如何学习音乐基本功

　　乐理

　　简单来说，音乐基本理论知识为了演奏的需要，钢琴课往往是用到什么讲什么，因为不讲学生就不会弹。这样在课上讲的乐理只能是应付演奏，不可能系统、详细，不可能讲得太深，更没有书面练习。学生只知其然而不知其所以然，也不会留下深的印象。学生如果想自学，就会遇到很多新问题。有一部分很重要的知识在技能课上几乎涉及不到，如音值组合法、音程的构成与识别、和弦原理、大小调式、民族调式以及相当于大学教程的和声、音乐发展史、作品分析等。

　　视唱练耳与节奏练习

　　这是素养课的核心和精髓。视唱就是看着谱唱。视唱是音乐工作者的一项基本功，也是学习乐器学生的一项基本技能。视唱学得好的学生，学琴过程不会出现识谱方面的问题，因而进步顺利;听音是对耳朵的直接训练，音乐是听觉艺术，听觉能力的提高直接意味着音乐素质的提高;节奏是音乐的骨架，节奏训练有助于培养学生的乐感，学生学到一定程度后进步的障碍主要在这方面表现出来。

　　通过学习音乐基本素养，能有效地开阔学生的艺术视野、提高音乐修养，全面提高音乐素质，并使眼、口、手、脑、耳能得到全面协调的锻炼。

　　那么针对于这些基础，The ONE智能钢琴教室是如何简便的使孩子们轻松的掌握呢?

　　The ONE智能钢琴教室用“唱”“听”“视”“奏”一体的全新智能的教学方法来教学，将乐理知识，视唱练耳，节奏练习等蕴含其中，在孩子练习中一起学习。

　　唱

　　唱唱名：聆听乐曲，以DoReMi的形式唱表现出曲子的表情和细微的变化，感受音乐韵律。同时大部分的歌唱曲也是旅途中所要学习的乐曲，起到提前预习的作用。

　　唱歌词：通过歌词拓展对音乐的`想象，体验表现音乐的乐趣和喜悦。

　　边弹边唱：通过边弹边唱加强孩子的手脑配合能力，同时有效地加深了孩子对音符和音高的记忆，有助于耳朵的发展，最终达到能听出固定音高。

　　听

　　听音乐：让孩子学会去聆听音乐，感受音乐。通过我们自己编配的背景音乐，让孩子从中找到演奏的成就感。同时，我们还准备了多首世界名曲，带领孩子们感受各个时期的名家作品，增进孩子对音乐的鉴赏能力。

　　听故事：40个连环小故事，以主人公小宝看世界为线索，路过光明城门，遇到游击队，听小美的爷爷讲很久以前的故事，与大象拔河等等...带领孩子一起闯关大冒险，快乐的学琴。

　　听音高：由老师带着弹唱所学音符和乐曲旋律，让孩子从一开始就对音高产生记忆，慢慢形成固定音高的耳音。

　　视

　　色彩鲜明可爱的画面：善良而有冒险精神的主人公小宝，带着孩子们在五彩缤纷的世界里闯关，趣味无穷。

　　规范的视频教学：通过让孩子观看视频的形式学习乐曲弹奏，让孩子们更直观的学习到标准的弹琴坐姿和手型。

　　趣味教学的视觉冲击：很好的把趣味性教学和传统型教学结合到一起。

　　奏

　　三种教学模式循序渐进的让孩子高效率的掌握乐理知识和乐曲弹奏内容

　　拉(小花)模式 -- 提高孩子的兴趣; 五线谱横轴滚动模式 -- 巩固所学乐曲内容;

　　五线谱(无灯)模式 -- 让孩子自在自信的演奏乐曲。

　　1、声音必须要让听众感觉到清晰的“质感”。要做到这一点，就必须在演唱时，声音充分靠前。这种靠前还必须是“高度集中的”。“质感”是以高度“聚焦”的形式来体现的，点子越小，质量愈高。

　　2、音量控制不是以放大----缩小来体现的，而是以上述这个小小的聚音点的亮----暗控制体现的，这种技术要求的目的是为了唱者广大音量时，音质仍保持聚而不散。在减弱音量时，更不能失去“质感”，哪怕唱气声时，仍不失去“质感”，电声再高明，只能改变唱者的音色，却无法制造出“音色”来。

　　3、音质产生于声带的振动，振动来自声带的张力---- 阻力，因而发音的“焦点”必定在声带上，西洋传统唱法中有一句声乐术语叫做----“让声带歌唱”。帕伐洛蒂说过：“声音是从声带开始的，必须使声带立即振动起来。”就是这个意思。

　　4、“声必须靠在声带上”。如果说声音的出发点在嘴巴，声音就无法靠在声带上了。也就是声带的张力----阻力不到位，所产生的声音效果要么奶声奶气的;要不声音就无法集中;日本歌坛目前就有这么一种唱法，据说是为了表现“清纯”的效果。

　　“让声带歌唱”五个字同时可以具有三个内容：

　　声音意识不要以“嘴”为出发点，而是应以声带为起点，这是一种意识，(因为声音实际上总是通过嘴巴出来的)始终应以声带为“起点”;

　　第二种是从生理上说的，在让声带歌唱时，“软腭的两边必需放下来”，好像一直挂到脖子下面，这是在歌唱时的一个非常重要的条件，因为它是解决声带紧喉咙松的关键。腭弓松了，舌头就自由了，下巴也放松了，喉咙才可能打得开。反过来，腭弓一绷紧舌根立即下压，造成声道堵塞，一切全完了;

　　第三种是指“声音靠在气上”(传统唱法有此要求，欧美流行唱法同样有此特点)因为歌唱方法的本质是气息----声门的阻抗，没有积极的声门张力----阻力又如何能和气息产生阻抗?声带的调节是一切科学唱法的核心。

　　5、声音必需充分唱出来的另一体现是吐字。应该说歌唱吐字要比说话夸张得多，就如同演话剧时念台词的吐字比平时说话要夸张的情况相同。(猫咪叫时的嘴巴形状，形象地说明了唱法的口型要求)。

　　6、气感：气感不只是一种意识，更是一种“效果”，上述呼吸中用上下腹对抗来建立支持是一种手段，这并不是说在歌唱时两肋能保持张开的姿势就算有了气息支持的情况一样，“气感”正是对这种方法后鉴定。以教堂的钟为例：如果这个钟没有挂起来就敲击它，声音短促而难听;挂起之后再去调皮击它，声音会产生回荡的余音，传送十里之遥。气感能使歌声始终带有回荡的“余音”，听觉效果明显不一样，唱者的自我感觉是清楚地感到胸中有“回声”

　　流行音乐唱法技巧

　　气声技巧

　　所谓气声技巧，是一种气息与声音不按常规发声状态组合的形式。在传统唱法中，最讲究气息与声音的完整结合。它要求气息冲击声带时，声带要完全闭合发声，这种声音出来响亮而结实，具有穿透力。这就是我们经常提及的发声术语——“关闭”。而流行唱法中，由于歌曲感情或风格的需要，有意使气息与声音不完全的结合，造成一种“漏气’的状态。这种声音唱出来，夹杂着气息，不像正常发声状态下的声音那样具有结实的力量，反而听起来有一些像小号吹奏时的“沙沙声”，给人一种的忧郁又带些伤感的感觉。例如，在克里斯蒂娜的《The voice Within》中，歌曲的第一部分和结束部分都大量使用了气声技巧，使得演唱在体现力量的同时又展现出柔美、深情的一面，歌曲被演唱者诠释的淋漓尽致。虽然这种“漏气”的演唱在美声唱法中偶尔也会用到，但像流行唱法这样上升到一种决定歌曲情感走向的高度，还是有所区别的。

　　混声的运用

　　说到混声，可能研究美声、民族等传统唱法的人会问，混声不是传统唱法才会使用的技巧吗？其实，流行唱法一样也需要混声技巧的应用。我们在学习的时候会了解到，人的声音存在一个换声区。在演唱自然音域以上的音时，往往会出现“唱不上去”“卡住”的情况。这时，就需要混声技巧的帮助了。声音通过头腔的一个特定区域，使真声与假声结合，形成一种和谐的融合。这种声音听起来不会像撕扯声带那样难以接受，又能够达到歌曲要求的音量和音高。传统唱法的混声多调动头腔整个的共鸣腔体，声音出来位置较高，比较接近于“假声”状态，而流行唱法的混声只结合头腔较靠前的区域，声音较接近于真声，不会像传统唱法给人“高高在上”“遥不可及”的感觉，声音听起来真实、贴切。

　　话筒运用

　　流行唱法与其他唱法的一个最明确的不同，就是运用话筒进行演唱。话筒的作用有三：其一是对声音进行修饰、润色、化妆，流行唱法的许多发声技巧，例如气声唱法、柔声唱法、沙声唱法等，都必须依靠话筒才能早现出来。从这个意义上讲，话筒实际上参与了发声运动，它是歌唱者的 “第二张嘴”；其二是歌唱者持话筒演唱，边唱边做各种表演动作，话筒的倒手、转动等，成为演唱中的道具。从这个意义上说，话筒又是歌唱者的“第三只手 ”；其三是话筒作为现代化高科技的电子器件，从而使演唱者的歌声更富现代感、时尚感、新潮感，从这个意义上看，话筒又成为演唱者的 “翅膀 ”，它可以弥补流行唱法因为采用自然声而在音量、音色、咬字吐字的力度等方面明显的不足。

　　运用话筒有很多方法与技巧，流行唱法的歌手必须学会正确地运用话筒，要善于调整好嘴唇与话筒的距离、角度，以适应各种发声技巧与演唱技巧。例如当采用柔声唱法时，须把话筒调整到距嘴唇较近，这样可以使歌声通过扩人后更加柔润悦耳；而当采用喊声唱法时，则要把话筒调整到距嘴唇远一些，以避免产生噪音而难听；当采用直声唱法时，应灵活地把话筒随音量的强弱、音色的明日音变化，不断地调整到不同的距离和不同的角度，这样不仅可以创造歌声多变的奇迹，而且可以弥补发声技巧上的某些欠缺。

　　总之，话筒的运用不可小视，要在不断地演唱实践中摸索出一条规律，形成为自己所适用的一整套使用方法与使用技巧。